Columbus : Une ode à l’architecture moderniste de la ville de l’Indiana

Le Columbus que nous connaissons le mieux n’est pas en Indiana. Mais le long métrage éponyme de Kogonada attire notre gare sur une métropole moins célèbre du Midwest de l’Indiana, une métropole qui a une renommé progressive et une destination de voyage pour les amateurs d’architecture. Columbus montre cette métropole remarquable avec son riche héritage moderniste à un public plus très large. Atypique dans son mixe de look documentaire et de narration, elle est projetée à Sundance pour surprendre un succès critique et présentée au prestigieux BAM Cinefest. Le premier film marque la transition de Kogonada de vidéaste à cinéaste.

Le cadrage parfait et les captures visuelles caractéristiques révèlent l’implication profonde de Kogonada dans les tâches du réalisateur Jasujiro Ozu, sujet de sa thèse inachevée. Les longues prises lentes qui accentuent la notoriété du drame des protagonistes et une gare méticuleuse à la place et au cadre historique suggèrent l’influence des auteurs néoréalistes. Cette fondation cinématographique, Kogonada développe une approche hybride du cinéma. Le succès de ses exercices est un portrait indélébile du lieu. NEn effet, nous quittons le théâtre avec le sentiment que nous avons été là, engendre travers une petite liste de bâtiments modernistes lors d’une des visites architecturales officielles. Différemment à la majorité des villes, avec ses centres-villes abandonnés, ses poches de gratte-ciels et son étalement urbain, Columbus inclut un nombre de qualité de bâtiments et d’entreprises publiques. Le film explore l’impact de cette architecture sur la métropole et ses personnes. Mais Kogonada a des idées plus ambitieux et complexe à l’esprit.

Le film est conduit par un récit de rechange, quelque peu improbable. Jin, interprété par John Cho, est un traducteur échoué au sein de la ville tandis que son papa à demi détaché, un fameux historien de l’architecture, est hospitalisé pour un coma à la suite d’un accident vasculaire mental. Nous assistons à sa rencontre avec Casey, jouée par Haley Lu Richardson, une livret très réputée qui a renoncé à ses études pour prendre soin de sa mère accro à l’héroïne. Casey conduit Jin à travers la métropole, lui présentant ses bâtiments préférés. Elle, fervente partisane du riche patrimoine architectural de sa métropole, tente de montrer comment elle est personnellement affectée par les bâtiments. Elle décrit le moment qu’elle a d’abord «vu» et ce qu’ils signifiaient pour elle. NnnCasey affirme que la majorité des gens «ne se foutent pas de l’architecture», mais la First Financial Bank de Deborah Berke lui aborde énormément. Devons-nous supposer qu’elle donne un sens de l’ordre dans son existence autrement chaotique ? Peut-on alors comprendre comment l’architecture récent occasionne ce sens de la fixité dans un monde complexe ? Casey détaille que Berke déploie une asymétrie d’origine, puis travaille à produire ‘ un équilibre séduisant ‘ entre les zones.

Ils discutent des mérites de James PolshekIl affirme que l’architecture est «responsable de la guérison», alors qu’ils se tiennent devant son pont menant à l’hôpital. Deux églises saarinen causent des questions sur la religion et l’architecture récent. Ces questions et diverses sont les conversations entre les deux protagonistes à mesure qu’ils se rencontrent et se déplacent à travers la métropole en explorant les bâtiments. Nous les observons observer, nous voyons ce qu’ils observent, et nous sommes invités à définir avec eux. Pour éclaircir et augmenter votre fortune notre compréhension de l’architecture moderniste, la caméra met en place une sorte de comparaison et de contraste en se déplaçant des bâtiments publics à l’intérieur de la modeste maison de Casey, où elle vit avec sa mère. Les plans rapprochés des détails quotidiens évoquent l’environnement claustrophobe, mais agréable, en contraste frappant avec les personnes qui du somptueux Edwardian Irwin Inn où se situe Jin. ‘ Pas très moderniste ‘, affirme-t-il, affirmant l’évidence, mais lors de la rénovation de fin en 1910, il est loué pour son utilisation récent de l’électricité, du mobile, de l’interphone mais également d’un ascenseur hydraulique.

Nous flânons dans des pièces somptueuses qui s’arrêtent sur les meubles en chêne britannique, les murs tapissés de soie, les carreaux de France et du Pays de Galles, et explorons les jardins extravagants en longues prises comme des feuilles sur un seul arbre flottant dans une douce brise. Ces images fournissent la toile de fond d’une relation amicale asexuée mais chargée d’émotion et intensément immersive entre les deux alors qu’ils relatent leurs vies et leurs luttes. Le dialogue laconique est ponctué de longs silences bien que nous attendons leurs auto-réalisations. Mais d’une manière ou d’une, malgré la structure minutieuse et le bon jeu, l’œuvre de leur relation ne arrive au final pas à nous émouvoir. L’architecture de la parcelle s’est avéré être dans la manière dont les systèmes structurels sont délibérément présentés dans certains bâtiments. Peut-être que ce parallèle était l’intention de Kogonada ? En fin de compte, l’intrigue de l’intrigue diminue l’impact transformateur de l’œuvre. Au contraire, ce qui nous émeut le plus, c’est la cinématographie d’Elisha Christian. Chaque tir semble délibéré, conçu pour révéler l’organisation des bâtiments. On examine des figures indiscernables qui se déplacent dans les couloirs au loin tandis que les acteurs conversent au premier plan. Un skateur nous surprend alors qu’il glisse sur l’écran pour partir dans les ombres à travers un couloir en arrière-plan. Peut-être que les moments les plus redoutables se produisent lorsque Casey découvre que sa mère a recommencé à lui gruger.

Nous voyons Casey, cachée dans le noir, téléphonant à l’un des nettoyeurs qui agissent toute la nuit, sa chemisette rougeâtre ponctuant le travail à l’apparence vives. Cette scène évoque la pièce de projection de Krzysztof Wodiczkoà la Biennale de Venise en 2009, dans lesquels il a développée une arcade vénitienne le long des murs intérieurs de l’espace d’exposition. Entre chaque colonne était un canevas avec ce qui a semblé être des ombres de la piazza à partir, plutôt comme une camera obscura. Wodiczko a conjuré la vie dans les rues, et nous entendons des fragments juste audibles de conversations provenant de la place invisible. En revanche, ce que nous voyons à Columbus est une figure solitaire unique qui vient à votre domicile à travers des espaces purs et immaculés. Les seuls sons sont les personnes qui des tête-à-tête de nos protagonistes. Ce qui imprègne ce film est le chut des peintures d’Edward Hopper et une profonde solitude médiatisée par la promesse de l’architecture récent.

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